Леонардо да Вінчі (Leonardo da Vinci) - один із найвидатніших художників епохи Відродження, що постійно експериментував з художніми традиціями та техніками. Він створював новаторські композиції, вивчав анатомію, щоб точно зобразити людське тіло, цікавився психологією, щоб проілюструвати характер персонажів, та досліджував способи зображення простору та тривимірних об'єктів на двовимірній поверхні.
Результатом його невичерпної допитливості стало багато, в основному, незавершених проектів, але і разом з тим найбільш реалістичних, складних і чуттєвих зображень людської натури. Його експерименти вплинули на роботи багатьох художників і навіть ставали стандартом у мистецтві для наступних поколінь.
Після смерті у 1519 році Леонардо залишив багато зошитів, заповнених нотатками та ескізами, але дуже мало завершених робіт. Деякі з його творів були завершені помічниками, деякі були втрачені, знищені чи перефарбовані. Поговоримо про 10 найвідоміших його робіт, що збереглися до нашого часу, та чому вони такі популярні.
Мона Ліза (Mona Lisa, 1503-19)
Лувр, Париж (Франція)
Через п'ять століть після того, як Леонардо да Вінчі намалював Мона Лізу, її портрет висить за куленепробивним склом і щодня приваблює у Лувр натовпи глядачів. Це найвідоміша картина у світі. Та все ж, коли глядачам вдається роздивитися її зблизька, вони зазвичай спантеличені невеликим стриманим портретом звичайної жінки, скромно вбраної в темні шати та напівпрозору вуаль і без прикрас.
То чому ж Мона Ліза така популярна?
Про її посмішку та погляд було сказано багато, але глядачі все ще задаються питанням, що ж викликає такий ажіотаж навколо неї. Поряд з таємницями особистості натурниці та її містичного погляду, причина популярності картини також є однією з багатьох загадок. Хоча багато дослідників намагалися визначити одну причину популярності картини, найбільш переконливі аргументи свідчать, що єдиного пояснення не існує. Слава Мона Лізи - це результат поєднання багатьох випадкових обставин з привабливістю самої картини.
Простота картини свідчить про талант Леонардо у реалістичності зображення. М'яко промальоване обличчя моделі демонструє майстерне володіння сфумато - художньою технікою, яка використовує тонкі градації світла і тіні, а не лінії для моделювання форми. Делікатно промальована вуаль, тонко відтворені пасма волосся та ретельна передача складок тканини свідчать про невтомне терпіння Леонардо у відтворенні своїх спостережень. Більше того, спантеличений вираз обличчя натурниці лише додає їй реалістичності. Її посмішка не то привітна, не то глузлива - глядач не може до кінця розібратися, адже молода жінка є складною особистістю, що втілює в собі протилежні характеристики водночас.
Зовнішні події також сприяли популярності твору мистецтва. Те, що домівкою картини є Лувр, один з найбільш відвідуваних музеїв світу, є щасливим збігом обставин, який додав їй ще більшої цінності. За часів Франциска I, короля Франції, при дворі якого Леонардо провів останні роки свого життя, картина стала частиною королівської колекції, і протягом століть після цього портрет зберігався у французьких палацах, поки революція не оголосила королівську колекцію власністю народу. На початку 19-го століття, після нетривалого перебування в спальні Наполеона, Мона Ліза була встановлена у Луврі і зі зростанням популярності Лувру зростало і визнання картини.
У 19 столітті Леонардо взагалі перетворився на великого генія. Протягом століть після його смерті його звісно шанували - але не більше, ніж його також видатних сучасників Мікеланджело і Рафаеля. Однак деякі дослідники відзначають, що з ростом інтересу до епохи Відродження у 19 столітті Леонардо став більш популярним не лише як хороший художник, але і як великий вчений і винахідник, чиї проекти стали основою для сучасних винаходів. Багато з його так званих винаходів пізніше були розвінчані, а його внесок у науку та архітектуру стали вважати незначним, проте міф про Леонардо як генія продовжує існувати і в 21-му столітті, сприяючи популярності Мона Лізи.
А далі крадіжка картини в 1911 році і подальший ажіотаж у ЗМІ привернули до неї увагу всього світу. 22 серпня новина про викрадення стала миттєвою сенсацією. Люди збігалися до Лувру, щоб подивитись на порожнє місце, де колись висіла картина, директор музею подав у відставку, газети рясніли звинуваченнями в містифікації, а Пабло Пікассо навіть заарештували як підозрюваного! Через два роки картину знайшли в Італії після того, як арт-дилер у Флоренції повідомив місцеву владу, що з ним зв'язався чоловік, який хотів її продати. Цим чоловіком виявився Вінченцо Перуджа, італійський іммігрант у Франції, який недовго працював у Луврі, монтуючи скло для кількох картин, у тому числі й для «Мона Лізи». Він і двоє інших робітників зняли портрет зі стіни, сховали його на ніч у шафі і вранці з ним втекли. Поки картина подорожувала Італією, перш ніж тріумфально повернутися до Лувру, багато французів почали вважати цю роботу національним скарбом, який вони втратили, але зрештою зуміли повернути.
Таємна вечеря (Last Supper, 1495-98)
Санта-Марія-делле-Граціє, Мілан (Італія)
Одна з найвідоміших картин у світі «Таємна вечеря» була створена на замовлення Людовіко Сфорца, герцога Мілана і покровителя Леонардо під час його першого перебування в цьому місті, у Домініканському монастирі Санта-Марія-делле-Граціє.
Зображуючи послідовну сюжетну лінію, Леонардо ілюструє кілька тісно пов'язаних між собою епізодів з Євангелія, зокрема Матвія 26:21-28, де Ісус повідомляє, що один з апостолів зрадить його, і за тим започатковує Євхаристію. Леонардо, будучи заінтригований тим, як характер людини може розкритися в позі, виразі обличчя та жестах, зобразив унікальну реакцію кожного учня на цю заяву. Постаті апостолів піднімаються, опускаються, витягуються і переплітаються, і здається, що вони шепочуться, кричать, сумують і сперечаються навколо Ісуса, який безтурботно сидить у центрі.
Через експериментальну техніку живопису Леонардо, в якій він використовував темперу або олійну фарбу на двох шарах підготовчого ґрунту, робота почала розпадатися незабаром після її завершення. Глядачі, однак, все ще можуть розгледіти в ній складне дослідження різноманітних людських емоцій, виражених в оманливо простій композиції.
Вітрувіанська людина (Vitruvian Man, 1490)
Галерея Академії у Венеції (Італія)
Малюнок Леонардо пером та чорнилом «Вітрувіанська людина» походить з одного з численних зошитів, які він вів у зрілі роки. Він супроводжується нотатками, написаними дзеркальним шрифтом, про ідеальні пропорції людини, які римський архітектор Вітрувій виклав у своїй книзі з архітектури у 1 столітті до нашої ери. Малюнок ілюструє теорію Вітрувія про те, що ідеальна людина може вміститися в межах кола і квадрата, двох непримиренних форм. Леонардо реалізував цю концепцію, намалювавши чоловічу фігуру у двох накладених одна на одну позиціях - з витягнутими в сторони руками, що вписуються у квадрат, та з розкинутими ногами і руками, що утворюють коло.
Робота демонструє не лише намагання Леонардо зрозуміти значимі тексти, але й його бажання розширити їх. Він не був першим, хто проілюстрував концепції Вітрувія, але його малюнок згодом став найбільш легендарним, частково тому, що в ньому поєдналися математика, філософія та мистецтво, що стало яскравим символом епохи Відродження. Зараз малюнок зберігається в Галереї Академії у Венеції, де він зазвичай не виставляється, а зберігається в архіві з регульованим кліматом.
Автопортрет (Self Portrait, 1490/1515-16)
Королівська бібліотека, Турин (Італія)
Малюнок червоною крейдою старого чоловіка з довгим хвилястим волоссям і бородою, який довгий час вважався автопортретом. Він деталізований до такої міри, що за ним більшість людей уявляють собі зовнішність Леонардо. Проте деякі дослідники стверджують, що цей образ з його суворими рисами обличчя, насупленими бровами та опущеними очима виглядає набагато старшим, ніж міг бути Леонардо, адже він помер у віці 67 років. Вони припускають, що малюнок може бути однією із його замальовок людей з ексцентричними рисами обличчя, які він зазвичай робив у своїх записниках.
Кого б не зображував портрет, він є своєрідним відступом від захопливих сюжетів Леонардо, проте йому вдалося наділити постать благородством і мудрістю зрілого віку.
Мадонна в скелях (The Virgin of the Rocks, 1483-86)
Лувр, Париж (Франція)
Базуючись на стилістичних особливостях, багато дослідників вважають картину «Мадонна в скелях» першою з двох картин, які Леонардо створив на основі церковної легенди, в якій Святе Сімейство зустрічається з Іоанном Хрестителем під час втечі до Єгипту від масового вбивства немовлят, яке влаштував Ірод.
Леонардо був втягнутий у багаторічну судову тяганину з Братством Непорочного Зачаття, яке замовило роботу, і суперечка врешті-решт призвела до того, що близько 1508 року Леонардо намалював іншу версію сюжету, яка зараз зберігається в Національній галереї Лондона.
Саме першою версією картини Леонардо розпочинає епоху Високого Відродження. Ранні картини цього періоду часто зображали фігури в лінійному розташуванні, відокремлені одна від одної та стримані за формою. Натомість у «Мадонні в скелях» фігури Діви Марії, Христа, Іоанна та Архангела розташовані у пірамідальній композиції, і вони не лише чітко займають простір, але й взаємодіють одна з одною за допомогою жестів та поглядів.
Діва Марія сидить на землі в таємничому скелястому пейзажі, а не на троні, як її зображали на багатьох картинах раннього Ренесансу. Її тіло перебуває в русі - здається, що вона нахиляє голову до юного Іоанна, який стоїть на колінах у молитві ліворуч, і ніби підштовхує його до маленького Ісуса, що сидить праворуч. Ісус, що благословляє Іоанна, зображений у складній позі зі спини, як і Архангел, який вказує на Іоанна, але при цьому ніби загадково дивиться на глядача ззовні.
Леонардо також виключив традиційні священні знаки - німби для Марії та Христа і посох для Іоанна - так що Святе Сімейство виглядає менш божественним і більш людським.
Голова жінки (Head of a Woman, 1500-10)
Національна галерея, Парма (Італія)
Голова жінки – це невеликий малюнок пензлем, що зображує молоду жінку з нахиленою головою та опущеними очима. Її постава нагадує Діву Марію в «Мадонні в скелях», що дозволяє припустити, що малюнок міг слугувати прототипом персонажа картини. Назва малюнка, La scapigliata, перекладається як «розкуйовджена» і вказує на неслухняні пасма волосся молодої жінки. Недбало накреслені кінчики волосся і плечі контрастують з ретельно проробленим обличчям, де Леонардо м'яко відтворив витончені риси обличчя жінки, від важких повік до ніжних губ.
Картина демонструє плавність робочої манери Леонардо, та поєднує в собі як виразний малюнок для створення форми, так і контрольовану багатошаровість для деталізації.
Леді з горностаєм (Lady with an Ermine 1489-91)
Національний музей, Краків (Польща)
Багато мистецтвознавців ідентифікують молоду жінку в «Леді з горностаєм» як Чечілію Галлерані, коханку покровителя Леонардо, Людовіко Сфорца, герцога Міланського. Зображення горностаю часто використовувалося як емблема герцога.
Жінка повернула голову праворуч, її світлі очі, здається, спрямовані на щось за межами рами. Хоча картина була сильно перемальована, особливо темне тло, вона, тим не менш, демонструє знання Леонардо з анатомії та його вміння зображати персонажів у позах та з яскравими виразами обличчя. Він передав молодість і доброзичливу натуру дівчини в її невинних рисах обличчя, уважному погляді та ніжних обіймах горностая, який сидить, поважно задерши голову, насторожившись. Складна структура кісток під шкірою підкреслює тендітність її тонкої руки, так само, як тонко промальоване хутро на голові горностая дозволяє розгледіти його череп.
Спаситель світу (Salvator Mundi, бл. 1500 р.)
Погрудний портрет Спасителя світу потрапив у заголовки новин у 2017 році, коли був проданий на аукціоні за тоді рекордні 450,3 мільйона доларів. Висока ціна була ще більш вражаючою, якщо врахувати, що «Спаситель світу» перебував у поганому стані, мав сумнівну історію, а його автентичність була предметом дебатів серед науковців і критиків.
Багато знавців відзначали низьку майстерність, з якою зображено обличчя Ісуса; жорстку позу, яка так не схожа на характерні для ренесансних майстрів гнучкі пози; і непереконливе зображення скляної кулі, яка, якби була прозорою, відображала б викривлений погляд її власника - оптичний трюк, про який знав би Леонардо.
Аукціонний дім Christie's, який керував продажем, відкинув критику, зазначивши, що будь-який брак техніки є результатом реставрації в попередніх століттях, і вказав на м'яке виконання правої руки Ісуса та витонченість його тугих кучерів - обидві характеристики, які нагадують техніку Леонардо. Аукціонний дім також стверджував, що фахівці з реставрації підтвердили, що картина виконана з тих самих матеріалів, які використовував би Леонардо, зокрема ультрамарину - дорогого високоякісного синього пігменту, який в основному використовували виключно майстри віртуози.
Дебати щодо атрибуції тривали ще довго після продажу, але інтерес до роботи і велика сума, сплачена на аукціоні, засвідчили, що Леонардо не втратив своєї популярності і посідає вагоме місце в історії мистецтва навіть через п'ять століть після смерті художника.
Джиневра де' Бенчі (Ginevra de’ Benci, 1474/78)
Національна галереї мистецтв у Вашингтоні (США, округ Колумбія)
Портрет Джиневри де Бенчі, що зберігається в Національній галереї мистецтв у Вашингтоні, округ Колумбія, є єдиною картиною Леонардо, яка публічно демонструється в Західній півкулі. Це одна з ранніх робіт Леонардо, завершена, коли йому було близько 20 років, і демонструє деякі з нетрадиційних методів, які він використовуватиме протягом усієї своєї кар'єри.
Натхненний своїми північними сучасниками, Леонардо порушив традицію, зобразивши поважну молоду жінку в позі три чверті, а не у профіль. Можливо він був першим італійським художником, який намалював таку композицію. Він продовжував використовувати ракурс у три чверті на всіх своїх портретах, включно з «Мона Лізою», і цей ракурс швидко став стандартом портретного живопису, настільки розповсюдженим, що глядачі сприймають його сьогодні як належне.
Мабуть Леонардо використовував свої пальці, щоб змоделювати обличчя Джиневри, коли фарба була ще липкою, на що вказують відбитки пальців, знайдені на поверхні фарби.
На зворотному боці картини лаврово-пальмовий вінок обвиває гілочку ялівцю (ginepro італійською - каламбур на ім'я натурниці), а стрічка з латинським висловом «краса прикрашає чесноту» обплітає кожну з цих рослин. Відсічений вигляд зворотного боку дозволяє припустити, що картина могла бути обрізана знизу, можливо, через пошкодження від води або вогню. Деякі дослідники припускають, що портрет на лицьовій стороні мав би включати руки Джиневри, і допускають, що в якості ескізу міг слугувати малюнок рук і кистей, який зберігається у Віндзорському замку.
Богородиця з немовлям та святою Анною (The Virgin and Child with Saint Anne, 1503-19)
Лувр, Париж (Франція)
Деякі дослідники вважають, що «Богородиця з немовлям і Святою Анною» була останньою картиною Леонардо і в цій роботі він використав багато прийомів, які виробив протягом своєї кар'єри, задля зображення трьох поколінь Святого Сімейства - Святої Анни, її доньки - Діви Марії, та немовля - Ісуса Христа.
Анна на вершині пірамідальної композиції спостерігає за Марією, яка сидить у неї на колінах і з ніжністю стримує дитину, щоб вона не сіла на ягня. На відміну від свідомого малюка, зображеного Леонардо в «Мадонні в скелях», фігура Христа в цій картині виглядає невинною, демонструючи пустотливу дитячу поведінку і довірливий вираз обличчя, коли він зустрічається поглядом зі своєю матір'ю. Взаємодія між фігурами відчувається інтимною і розкриває здатність Леонардо переконливо зображати людські стосунки.
Картина також демонструє живий інтерес Леонардо до правдоподібного зображення тривимірного простору на двовимірній поверхні. Як і на багатьох інших картинах Леонардо, фігури сидять на тлі фантастичного пейзажу. Використовуючи повітряну перспективу - техніку, про яку він писав у своєму «Трактаті про живопис», Леонардо створив ілюзію відстані, намалювавши скелясті утворення на задньому плані так, що вони здаються синьо-сірими і менш деталізованими, ніж пейзаж на передньому плані. Він використовував цю техніку в багатьох пейзажах своїх ранніх робіт, включаючи «Мона Лізу» та «Мадонну в скелях».
